Canon Inc.

http://www.canon.es/
es una compañía japonesa especializada en productos ópticos y de captura y reproducción de imágenes, que incluye fotografía, video, fotocopiadoras e impresoras. Su sede principal se localiza en Tokio.

La compañía fue fundada en 1933 por Goro Yoshida y su cuñado Saburo Uchida con el nombre de Precision Optical Instruments Laboratory. El propósito original de ésta fue la investigación para mejorar y desarrollar la calidad de las cámaras fotográficas.

En junio de 1934 fue creada la primera cámara de Canon, la Kwanon, llamada así en honor a Kuan Yin, la diosa budista de la misericordia. El año siguiente la compañía cambió su nombre por el de Canon con la finalidad de reflejar una imagen más moderna. En 1987 lanzaron su línea de cámaras fotográficas EOS, siglas que significan "electro-optical system", y que además figuran en honor a la diosa griega EOS, o de la aurora. Este sistema supuso un desprendimiento total del enfoque manual y dio entrada al enfoque ultrasónico y a la estabilización óptica, ambos inventados por Canon y que se volvieron un estándar en la fotografía profesional y de alta velocidad.

Aunque molestó a los usuarios conservadores que vieron como perdían compatibilidad con sus antiguas ópticas de enfoque manual, cuando su patente de enfoque ultrasónico caducó, muchos de sus competidores siguieron el mismo camino y adoptaron el enfoque ultrasónico de Canon.

A pesar de ser un fabricante de una gran variedad de equipos electrónicos, su fama recae en ser referente de fotografía por su gran liderazgo y aportación al mundo fotográfico y pionero en la fotografía digital full frame desde el año 2002, con la introducción de la canon 1Ds. Nikon, una de las marcas competidoras en el ámbito de la fotografía profesional, no logró entrar a la fotografía digital full frame hasta el año 2007, al sacar al mercado el modelo Nikon D3.

Sus lentes de la serie L, con su característico color blanco en las focales más largas, han dominado el mundo fotográfico en todas sus ramas.

Canon también ha entrado en el mercado de las pantallas digitales aliándose con Toshiba, desarrollando y fabricando televisores planos basados en SED, una nueva tecnología para pantallas.

Eastman Kodak Company (mejor conocida como kodak) es una compañía multinacional dedicada al diseño, producción y comercialización de equipamiento fotográfico. La actual empresa tiene su antecedente en la Eastman Dry Plate Company fundada por el inventor George Eastman y el hombre de negocios Henry Strong en 1881.
Su gran éxito comercial fue la introducción en el mercado del carrete de papel en el año 1888, lo que provocó la sustitución de las placas de cristal empleadas hasta el momento, así como el lanzamiento en el mismo año de la cámara Kodak 100 Vista, que utilizaba carretes de 100 fotos circulares y para cuya campaña de promoción se acuñó la frase "Usted aprieta el botón, nosotros hacemos el resto". Posteriormente, lanzó el carrete de celuloide que terminó por emplear una protección que permitía su extracción y colocación bajo la luz solar.

Otras cámaras famosas fueron la Kodak Brownie y la Kodak Instamatic.

Además de sus cámaras la Kodak ha venido siendo una de las grandes suministradoras de película fotográfica para los sectores aficionados y profesionales. En la actualidad, tras un período de crisis económica, ha decidido reorientar su negocio hacia la fotografía digital, lo que ha generado dudas acerca de si mantendrá la producción de cámaras tradicionales, película fotográfica y demás productos.

Después de perder una batalla por la patente de la fotografía instantánea con la Polaroid, Kodak abandonó el mercado de las cámaras instantáneas en el año 1986.
Cámaras digitales
Muchas de las primeras cámaras digitales de Kodak se han diseñado y construido por Chinon Industries, un fabricante japonés de cámaras. En el año 2004, Kodak adquirió Chinon Japón y muchos de sus ingenieros y diseñadores se unieron a Kodak Japón. En julio de 2006 Kodak anunció que la empresa Flextronics ayudaría en fabricación y en la tarea de diseño de sus cámaras digitales.

La compañía tiene su sede en la población de Rochester, en el estado de Nueva York, Estados Unidos.

Nikon

Nikon Corporation (o Nikon, Nikon Corp.) es una sociedad japonesa fundada en 1917, actualmente uno de los líderes en el sector de la fotografía y de la óptica. Produce cámaras fotográficas, prismáticos, microscopios, e instrumentos de medición. La sociedad fue creada en el 1917, con el nombre Nippon Kōgaku Kōgyō (日本光學工業株式會社). La sociedad se especializó en la construcción de lentes e instrumentos de precisión para fotocámaras, prismáticos, microscopios e instrumentos de medición. Durante la Segunda Guerra Mundial Nikon se convirtió en proveedora de prismáticos, periscopios y otros instrumentos ópticos para el ejército japonés, y creció hasta contar con 19 establecimientos industriales y 23000 empleados. Después del final de la guerra, regresó a la producción civil, reduciéndose a una sola fábrica y 1400 empleados. En 1946 tomó el nombre Nikon, de la unión Nippon Kōgaku ("óptica japonesa") con la palabra Ikon, una referencia a la Zeiss.

Entre los productos más célebres de la Nikon se pueden citar los objetivos Nikkor, las cámaras SLR de la serie F, las cámaras subacuáticas Nikonos y, recientemente, la serie D de las SLR digitales o DSLR. La serie D (sobre todo modelos como Nikon D300, Nikon D90 y Nikon D40), junto a la serie Coolpix, han contribuido notablemente a la popularidad de la fotografía digital a entre principiantes y semiprofesionales.

Entre los principales competidores de la Nikon se pueden citar Canon, Leica, Pentax. En particular, Nikon y Canon se disputan una notable porción de los fotógrafos principiantes, semiprofesionales y profesionales. Aunque ahora Nikon ha empezado a jugar duro con su nueva serie D300 y D3 que dejan a la marca en muy buena posición. En el caso de la D3 siendo la cámara profesional que se vende en serie que hace ráfagas más rápidas (11fps) del mundo.
La compañía japonesa de óptica y material fotográfico Nikon cumple 90 años de existencia en un buen momento tras haber logrado recientemente sacar ventaja a su mayor rival Canon en el terreno de las cámaras digitales.

El gigante de la industria de la imagen se acerca al siglo de existencia en plena celebración de su victoria en ventas de cámaras réflex digitales sobre Canon durante el primer semestre de este año, según la empresa de mercadotecnia BCN.

Hasta ahora Nikon había logrado victorias puntuales sobre Canon, pero siempre había permanecido a la sombra de su rival tras la revolución que protagonizó en 1987 el sistema "EOS" en el mundo de la fotografía.

Sin embargo, la reciente revolución de las cámaras digitales de masas ha proporcionado un nuevo escenario en el que los vaivenes en el liderazgo son de lo más común.
Nikon GP-1 GPS


Nikon D5000

Fotografia de alta calida José Maria Mellado

Pocos fotógrafos o aficionados a la fotografía no conocen a Jose Maria Mellado y su exitoso libro Fotografía digital de alta calidad. Un libro que, más allá de describir el que se ha llamado “método mellado”, amado por unos y odiado por otros nos ofrece un completo flujo de trabajo cien por cien adaptado a las necesidades de la fotografía digital. Pero lo que está claro es que tuvo, y tiene, mucho éxito, pero empezaba a quedarse anticuado respecto a algunas herramientas. De ahí esta actualización del autor. Los puntos principales del libro son: ■(Cap. 1) Reglas de composición y lectura de las imágenes. Aprenda a aplicar la Sección Áurea y otras reglas para dirigir la lectura de la imagen y sepa cuándo romperlas. ■(Cap 2) Fundamentos. Configuración y entorno de trabajo en CS4. Gestión de color y calibración del monitor. ■(Cap. 3) Cómo sacar el máximo partido a la cámara. Todo sobre las lentes, modos de exposición y nuevos métodos de medición de la luz para obtener las mejores capturas posibles: Medición Puntual a la zona 8, Histograma en Vivo y Valoración Subjetiva del Contraste. ■(Cap. 4) Organizar y editar las imágenes desde Bridge. Comunicación con Photoshop y otras aplicaciones. ■(Cap. 5) Nuevas técnicas de revelado. La audaz teoría del autor sobre la estética del histograma aplicada a Camera Raw para obtener rápidos revelados semiautomáticos de alta calidad. ■(Cap. 6) Tratamiento por Zonas actualizado y los métodos Luz 3D y 4D. El famoso tratamiento por zonas planteado hace años por el autor se renueva haciéndose más eficaz y potente en CS4. Además, los métodos Luz 3D y 4D como alternativas al tratamiento por zonas. ■(Cap. 7) Técnicas avanzadas de selección, RAWs como objetos inteligentes y revelados múltiples. Nuevos flujos de trabajo basados en el uso de RAWs como objetos inteligentes, y las mejores técnicas de selección y mezcla de diferentes revelados para ampliar la latitud de exposición, tratadas en detalle con multitud de ejemplos. ■(Cap. 8) Todo sobre el B/N y el Color tratando en detalle las mejores técnicas de corrección de color y multitud de efectos creativos como revelados cruzados, uso creativo del modo Lab o el coloreado de imágenes. ■(Cap. 9) Deformación, mezcla y reparación de imágenes. Desde el re-escalado líquido a la mezcla de imágenes similares pasando por las técnicas más efectivas para reparar imágenes. Retoque de piel. Tres sofisticadas técnicas profesionales de tratamiento de la piel. ■(Cap. 10) Preparación de la imagen final para las diferentes salidas disponibles. Nuevas técnicas de interpolación y enfoque de la imagen y adaptación a web, pantalla, imprenta, impresora y laboratorio. Protección de las imágenes mediante marcas de agua. Cuesta 80 euros.

La fotografía como arte

La fotografía no fue siempre considerada un arte. Su integración al arte fue un proceso muy discutido que comenzó con los fotógrafos retratistas. El retrato fotográfico tuvo gran acogida como reemplazo del retrato pintado ya que éste era mucho más barato. Como el retrato fotográfico remplazaba al retrato pintado, gran cantidad de pintores decidieron convertirse en fotógrafos retratistas para sobrevivir. Este fue el caso de Félix Tournachon, Gustave Le Gray y el segundo de los hermanos Bisson. Éste fue el primer ingreso de la fotografía al medio artístico. Además estos pintores fueron algunos de los que lucharon por que la fotografía sea considerada un arte.

A mediados del siglo XIX apareció una nueva tendencia artística, el naturalismo. La aparición de esta nueva tendencia, centrada en la objetividad, buscaba imitar la realidad y la naturaleza con un alto grado de perfección y despreciaba la subjetividad. Así, el naturalismo fue la puerta que se abrió para dar a la fotografía una verdadera importancia en el arte ya que al imitar de una forma casi perfecta la realidad, superaba ampliamente a la pintura en este aspecto. Por otra parte, el constante desarrollo de la fotografía en esa época, básicamente con las nuevas técnicas sobre la utilización de la luz del sol, dio origen a fotos con un mayor significado estético, lo que llevó a un nuevo acercamiento de la fotografía hacia el arte.

Más tarde se descubrieron técnicas usando clara de huevo, que hacían posible lograr que la imagen por sí misma se quedara grabada en el papel. Esta técnica se fue perfeccionando gracias a la comprensión del fenómeno químico implicado y a una continua experimentación con materiales alternativos. Pronto fue posible tener una caja con un papel fotosensible oculto de la luz, un cañón con el que enfocarla, y un obturador para hacer pasar la luz el tiempo suficiente para que impresionara la película.

La fotografía como arte, ciencia y experiencia humana fueron evolucionado en paralelo durante este tiempo. En cuanto fue posible hacer de la cámara un dispositivo móvil fácil de manejar apareció la posibilidad de influir en el espectador mediante la posición de la cámara y su enfoque, lo que permitían trasladar la subjetividad del fotógrafo a la fotografía, además de ir construyendo un lenguaje artístico.

En la actualidad, la fotografía artística en sí, tiene un carácter muy subjetivo. El impresionismo en la pintura y su consiguiente marcha hacia lo abstracto tuvo un gran efecto en la fotografía. Ya en la actualidad, la fotografía artística pura es casi completamente subjetiva y la manipulación de las imágenes se ha convertido en una herramienta fundamental en su expresión artística,la fotografía de Annie Leibovitz,Tina Nibbana,Helmut Newton,David LaChapelle entre otras, siguen siendo parte de la nueva revolución fotografica.

El lenguaje artístico fotográfico partió de la herencia de la pintura. Sin embargo, rápidamente amplió su léxico gracias a la facilidad de hacer enfoques extremos (picados, contrapicados, etc.), la captura del movimiento con largos tiempos de obturador y la decisión del momento. La presión sobre el fotógrafo para marcar su subjetividad en la fotografía forjó un lenguaje lleno de sutilezas pero perfectamente comprensible, muy directo para cualquier observador.

Hoy la fotografía es practicada por millones de personas en todo el mundo armados con buenas cámaras fotográficas. Prefiriéndose actualmente las cámaras con una buena óptica y muchas opciones que añadan flexibilidad, frente a las cámaras orientadas al consumidor, donde la óptica y el obturador es dirigida por la electrónica restando al hecho de hacer una foto gran parte de su imprevisibilidad. La aparición de las cámaras digitales, cámaras mixtas con vídeo y la fotografía en entornos de realidad virtual complican, enriqueciendo, el futuro de este arte.

Aplicaciones a la ciencia

La fotografía ha constituido desde sus inicios un medio de gran utilidad en la investigación científica. Gracias a su utilización a nivel científico se tiene la posibilidad de registrar fenómenos que no pueden ser observados directamente.
Entre las más importantes especializaciones de la fotografía en el campo científico destacan la fotografía ultrarrápida y estroboscópica, la fotografía estereoscópica, la fotografía infrarroja y ultravioleta, la fotografía aérea y orbital, o la fotografía astronómica.

fotografía estereoscópica
( se ve borrosa por la necesidad de gafas especiales)
Típica tarjeta estereoscópica del siglo XIX, con dos imágenes tomadas desde puntos de vista diferentes, pero muy cercanos.La fotografía reproduce los objetos sobre una superficie plana y la ilusión de la profundidad es lograda exclusivamente gracias a la perspectiva y al claro-oscuro. Sin embargo, resulta posible reproducir el efecto de la visión binocular observando separadamente con nuestros ojos dos imágenes tomadas desde puntos de vista a distancia pupilar, o mayor. Las primeras imágenes estereoscópicas de la historia de la fotografía son unos daguerrotipos del año 1842.
Fotografía con luz infrarroja y ultravioleta.
Las películas normales son sensibles a la luz ultravioleta. Uno de los métodos para realizar este tipo de fotografía consiste en utilizar una fuente de luz ultravioleta para iluminar al objeto, de forma que el objetivo de la cámara esté provisto de un filtro que permita únicamente el paso de esta luz. Otro método se sirve de la fluorescencia causada por la luz ultravioleta. El filtro del que está provista la cámara absorbe la luz ultravioleta y permite el paso de la fluorescente. Una importante aplicación de este tipo de fotografía es el estudio de documentos falsificados, ya que la luz ultravioleta detecta los rastros de escritura borrada.
En otros procesos se coloca una fina película de productos químicos entre las hojas de plástico. Estos productos químicos emiten burbujas de gas en cantidades proporcionales a la exposición recibida en la zona cuando se les expone a los rayos ultravioletas. Las burbujas crecen y se hacen visibles con la aplicación de calor en las hojas, creando así una transparencia en la que las burbujas de gas forman la imagen.
Fotografía aérea y orbital

La fotografía aérea supone un análisis de la superficie terrestre mediante el empleo de máquinas fotográficas instaladas a bordo de diversos medios aéreos. Encuentra aplicaciones en el campo de la investigación arqueológica o geológica, así como en agricultura para recabar información sobre la naturaleza de los terrenos y la extensión de los cultivos, o en el campo militar para obtener información sobre objetivos estratégicos. En arqueología se utiliza como método de prospección del subsuelo para descubrir estructuras en el subsuelo sin necesidad de excavar.

La fotografía orbital permite la obtención de imágenes de altura muy superior a aquellas propias de la fotografía aérea, de la cual constituye una extensión, mediante aparatos fotográficos situados sobre vehículos espaciales o satélites en órbita en torno a la Tierra. Entre sus varias aplicaciones cabe señalar los estudios meteorológicos, la investigación sobre la contaminación de los mares o sobre los recursos naturales, etc.

Fotografía con luz infrarroja y ultravioleta
Las películas normales son sensibles a la luz ultravioleta. Uno de los métodos para realizar este tipo de fotografía consiste en utilizar una fuente de luz ultravioleta para iluminar al objeto, de forma que el objetivo de la cámara esté provisto de un filtro que permita únicamente el paso de esta luz. Otro método se sirve de la fluorescencia causada por la luz ultravioleta. El filtro del que está provista la cámara absorbe la luz ultravioleta y permite el paso de la fluorescente. Una importante aplicación de este tipo de fotografía es el estudio de documentos falsificados, ya que la luz ultravioleta detecta los rastros de escritura borrada.

Los plásticos y otros productos químicos que reaccionan a la luz ultravioleta sustituyen a la emulsión de haluros de plata de las películas normales en diversos procesos, para producir imágenes fotográficas con la gama ultravioleta del espectro.

En uno de estos procesos la superficie de sustancias plásticas expuestas a los rayos ultravioleta se endurece en proporción directa a la exposición, y la eliminación de las zonas no endurecidas hace surgir una imagen fotográfica.

En otros procesos se coloca una fina película de productos químicos entre las hojas de plástico. Estos productos químicos emiten burbujas de gas en cantidades proporcionales a la exposición recibida en la zona cuando se les expone a los rayos ultravioletas. Las burbujas crecen y se hacen visibles con la aplicación de calor en las hojas, creando así una transparencia en la que las burbujas de gas forman la imagen.

Otro tipo de plástico, al ser calentado, reacciona químicamente con las burbujas de gas, de modo que se obtiene en las hojas de plástico una imagen positiva con manchas. La película fotocromática, creada por la National Cash Register Company, utiliza un tinte sensible a la luz ultravioleta. Se pueden obtener enormes ampliaciones, ya que este tinte no posee estructura granular. Por ejemplo, se pueden conseguir ampliaciones de una película que contenga un libro entero en un espacio del tamaño de un sello o estampilla de correos

El periodismo fotográfico...

O reportaje gráfico es un género del periodismo que tiene que ver directamente con la fotografía, el diseño gráfico y el vídeo.El desarrollo del periodismo gráfico puede rastrearse desde los mismos inicios del desarrollo de la fotografía y tiene una notable relación con la fotografía artística. La primera vez que un periódico utilizó una fotografía lo hizo en 1880 El papel de los fotoperiodistas ha sido vital para registrar la historia de acontecimientos como la Guerra Civil Española, la Guerra de la Triple Alianza, la Guerra Hispano-Estadounidense, la Guerra de Vietnam y las dos guerras mundiales, entre muchas.
Con el desarrollo de las técnicas de impresión gracias a la invención de la impresora Offset, la fotografía periodística alcanzó mejores niveles de calidad en las publicaciones impresas.
El periodismo fotográfico es una forma del periodismo para la adquisición, edición y presentación del material noticioso en los medios de comunicación social, especialmente escritos, digitales y audiovisuales. Este incluye además todo lo que tiene que ver con la imagen que cuenta una historia y en tal caso se refiere también al vídeo y al cine utilizado para fines periodísticos.
Las características esenciales para conocer que una fotografía pertenece al género periodístico son las siguientes:

Actualidad: la imagen debe estar dentro del contexto de un hecho reciente y noticioso y debe ser suficientemente ilustrativa del mismo
Objetividad: la situación representada en la fotografía es una imagen confiable y cuidadosa que representa los eventos que indica tanto en contenido como en tono
Narrativa: la imagen debe combinarse con otros elementos noticiosos que la haga suficientemente comprensible para los espectadores, lectores o televidentes de todos los niveles culturales
Estética: la imagen debe conservar el rigor de la estética fotográfica La práctica de ilustrar historias noticiosas con fotografías fue posible gracias al desarrollo de la imprenta[8] y a las innovaciones de la fotografía que ocurrieron entre 1880 y 1897. Mientras eventos relevantes fueron fotografiados ya desde los años 50 del siglo XIX,[9] la imprenta pudo hacerlos públicos en un medio escrito sólo hasta los años 80 de ese siglo. Las fotos más primitivas eran daguerrotipos que tenían que ser reelaborados para ser impresos.

Si bien los daguerrotipos se expandieron bien pronto en Europa, Canadá, Estados Unidos y Latinoamérica tan temprano como 1838, se considera que los pioneros de la fotografía periodística se presentaron en la Guerra de Crimea (1853 - 1856) por parte de reporteros británicos como William Simpson del Illustrated London News y Roger Fenton cuyas obras fueron publicadas en grabados. De la misma manera, la Guerra de Secesión de los Estados Unidos tuvo periodistas gráficos como Mathew Brady que publicó sus obras en el Harper's Weekly. Debido a que los lectores clamaban por representaciones más realistas, fue necesario que dichas primeras fotografías fueran exhibidas en galerías de arte o copiadas fotográficamente en números limitados. Los principales eventos mundiales de la segunda mitad del siglo XIX, especialmente aquellos que tuvieron que ver con confrontamientos armados, eventos políticos y personajes históricos, quedaron bien documentados en material fotográfico de la época.

"Cómo vive la otra mitad", un clásico de la fotografía periodística de Jacob Riis.El 4 de marzo de 1880 el Daily Graphic de Nueva York hizo la primera publicación de noticias en fotografía real de la historia. Innovaciones posteriores siguieron a esta y en 1887 se inventó el flash, lo que permitió que los periodistas pudieran hacer tomas en exteriores y en condiciones pobres de luz. El primer documental fotográfico de la historia fue el del emigrante danés en Estados Unidos Jacob Riis quien lideró el reportaje de lo que llamó "Cómo vive la otra mitad" (How the Other Half Lives, 1888).[10] Para 1897 fue posible hacer publicaciones de fotografías impresas en imprentas sin mayores dificultades.

A pesar de las innovaciones, los límites persistieron y muchos de los periódicos sensacionalistas y revistas de historias fueron ilustradas con fotografía grabadas entre los años 1897 y 1927. En 1921 la wirephoto o telefoto permitió transmitir imágenes por teléfono tan rápido como noticias, aunque ya se había hecho telegráficamente desde la Exposición Universal de Londres de 1851 y comercialmente desde 1863 (véase fax). Sin embargo, no fue hasta el desarrollo de la cámara comercial Leica de 35mm en 1925 y el primer foco de flash entre 1927 y 1930 que se llegó la edad dorada del periodismo gráfico.

Edad dorada
El siglo XX significó un gran desarrollo del fotoperiodismo,[11] pero es conocida como la edad dorada del mismo al periodo comprendido entre 1930 y 1950 debido a avances muy significativos para la fotografía y una mayor amplitud en el oficio periodístico. Paradójicamente el desarrollo del fotoperiodismo se da muy especialmente entre las dos guerras mundiales en donde los periodistas y sus instrumentos de información se ponen a máxima prueba. Muchos de ellos incluso participaron como combatientes en dichas guerras. Algunas revistas como la Picture Post de Londres, la Paris Match de Francia, la Arbeiter-Illustrierte-Zeitung de Berlín, la Life Magazine y la Sports Illustrated de EE.UU, así como los periódicos The Daily Mirror de Inglaterra, el New York Times y otros, obtuvieron una gran lecturabilidad y reputación gracias al uso de amplio material fotográfico de la mano de célebres reporteros gráficos como Robert Capa, Alfred Eisenstaedt, Erich Salomon, Margaret Bourke-White y W. Eugene Smith.

En particular Henri Cartier-Bresson es generalmente considerado el padre del periodismo fotográfico. Las tomas de acciones congeladas en el tiempo son célebres, como la de un hombre que salta y que fue considerada una de las más expléndidas tomas del siglo XX. Su cámara Leica (introducida en 1925), es considerada versátil, la que le permitió capturar momentos decisivos en el tiempo justo. Esta cámara fue también la que utilizó otra gran figura del periodismo gráfico del siglo XX: Robert Capa.


En "Madre emigrante" la periodista Dorothea Lange reprodujo la imagen de lo que significó la gran depresión.El soldado Tony Vaccaro es también reconocido como uno de los más prominentes fotógrafos de la II Guerra Mundial. Sus imágenes, tomadas con una sencilla cámara Argus C3, capturaron los horrorosos momentos de la guerra como la muerte en batalla del soldado Capa, quien estuvo también en el desembarco de la playa de Omaha en el Día D y quien también dejó importantes tomas de ese momento decisivo de la II Guerra Mundial. Vaccaro también es conocido por haber desarrollado sus propias imágenes en cascos de soldados y utilizar químicos que encontró en las ruinas de un laboratorio fotográfico en 1944.

Hasta la década de los 80 del siglo XX la mayoría de las publicaciones utilizaban la tecnología de imprenta basada en una baja calidad de papel periódico, base de tinta y superficie rugosa. Mientras las letras resultaban de alta definición y legibilidad, los grabados eran formados por puntos fotográficos que en muchas ocasiones distorsionaban la imagen y producían efectos secundarios. De este modo, aunque la publicación utilizaba bien la fotografía - un tamaño respetable, bien enmarcada -, reproducciones opacas obligaban al lector a poner cuidadosa atención en la fotografía para entender su significado. El Wall Street Journal adoptó puntos de alta resolución en 1979 para publicar retratos y evitar las limitaciones de la impresión de letras. Sólo hasta los 80 la mayoría de los periódicos cambiaron a las impresoras offset que reproducen fotos con una alta fidelidad en papel blanco.

Aceptación por el mundo del arte

La última foto de Mate Rober F. Read minutos antes de morir bajo el bombardeo japonés al Enterprise CV-6 durante la II Guerra Mundial el 24 de agosto de 1942.La fotografía comparte dos mundos: por uno el de la tecnología y por otro el del arte.[ Sin embargo, las artes plásticas no aceptaron esto de manera inicial y vieron a la fotografía hasta la década de los 70 del siglo XIX con distancia. De la misma manera, el fotoperiodismo se divide entre la función de la información por un lado y la tendencia al arte. Lógicamente en la información lo más importante es aquello que es anunciado como generador de noticia, sin embargo, el profesional es aquel que sabe tener en cuenta las dimensiones estéticas en combinación con la información. Por lo general, los grandes fotoperiodistas son aquellos que dejaron obras en las que ambas dimensiones se entrelazan perfectamente.

En gran medida porque sus fotos son lo suficientemente claras para ser apreciadas o porque sus nombres aparecen siempre con sus obras, los fotógrafos de las revistas alcanzan el estatus de celebridad. Life llegó a ser, por ejemplo, un modelo en el cual la crítica fotográfica se hace un juicio acerca del fotoperiodismo y muchos periodistas actuales se han hecho un nombre. En una selección de las mejores fotografías de Life realizada en 1973 se presentaron 39 fotógrafos famosos, pero los puntajes revelaron en dicha selección que los mejores fotografías fueron de anónimos de UPI y AP.

el desarrollo de la fotografía digital y del Internet abrió nuevos espacios para conocer a muchos fotoperiodistas anónimos cuyos trabajos superan en numerosas ocasiones a los de los profesionales mimados de la crítica internacional. En la actualidad, periodistas como Luc Delahay y Chien-Chi Chang, ponen sus obras con frecuencia en los salones de arte.

Organizaciones profesionales
La primera organización nacional de reporteros gráficos del mundo se fundó en 1912 en Dinamarca con la "Unión de Fotógrafos de Prensa" (Pressefotografforbundet) constituida inicialmente por seis fotógrafos de Copenague.[13] En la actualidad tiene 800 miembros.

Cruzando lo imposible: fotografías submarinas

La fotografía subacuática es la especialidad fotográfica desarrollada para poder realizar fotografías en inmersión.
La fotografía subacuática es una modalidad muy practicada en el buceo deportivo. Es incluso una especialidad competitiva de la Federación Española de Actividades Subacuáticas (FEDAS), así como de organizaciones internacionales de buceo como la Confederación Mundial de Actividades Subacuáticas (CMAS)
Tres son las dificultades fotográficas que plantea el medio subacuático a los fotografos:[2]

-la alta presión del medio que hace que los equipos fotograficos deban ser no sólo estancos sino resistentes a la presión, o bien protegidos en el interior de cajas estancas especiales. Así, para la obtención de esas imágenes se precisan unas cámaras fotográficas que deberán tener unas características especiales, o bien, a las cámaras fotográficas convencionales, habrá que protegerlas en unas “cajas” especiales que nos permitan manejarlas sin que se mojen.

-la falta de luz del entorno subacuático conforme aumenta la profundidad y el efecto de filtrado selectivo de los colores al descender en la columna de agua, lo que hace que habitualmente se deban emplear sofisticados equipos de flash para restaurar la coloración original de los sujetos fotografiados;

-la difracción del agua que hace que los objetivos fotograficos aumenten su longitud focal con respecto a la que tienen en la fotografía subaerea.
Siguiendo un orden cronológico, las primeras cámaras fotográficas para uso subacuático, y comercializadas para la venta, aparecieron hacia el año 1960. Se trataba de una pequeña cámara, que tenía como nombre Calypsophot y en cuyo desarrollo y comercialización tuvo una participación imprescindible un hombre cuya vida ha estado siempre relacionada con el mundo submarino, Jacques Yves Cousteau. Era una cámara anfibia de construcción muy resistente, resistente a la inmersión en agua hasta 40 m.Esto se conseguía gracias a unas juntas tóricas de estanqueidad, que impedían la penetración del agua por las zonas móviles y articuladas del cuerpo de la cámara y de los objetivos.
Con la aparición de la cámara réflex, se optó por una nueva solución. Construir cajas estancas (mediante juntas tóricas de estanqueidad) para introducir en ellas algunos modelos de cámaras réflex y poner en la superficie de la caja unos mandos que la atravesasen y nos permitiesen accionar los de la propia cámara fotográfica.[2] Con esto se conseguían importantes avances en la realización de las fotografías, ya que además de la visión réflex (a través del propio objetivo de la cámara), se podían usar todos los automatismos que poseen estas cámaras y de los que carecían las cámaras anfibias.la popularización de la fotografía digital y el submarinismo ha propiciado la aparición de una enorme cantidad de cámaras fotográficas digitales de formato compacto, para muchas de las cuales se vende como accesorio una pequeña caja estanca que permite su uso bajo el agua hasta las profundidades en que se suele practicar el buceo deportivo.
La popularización de este la capacidad de tarjeta de memoria frente a los 36 fotogramas,

- la visualización inmediata de la fotofgrafía realizada en la pantalla TFT que poseen estas cámaras,

- su mejor respuestas en condiciones fotográficas de baja luminosidad, algo habitual bajo el agua, lo que permite realizar fotografías sin flash o "de ambiente".
bajo el agua vamos a hacer tres tipos principales de fotografías:[2]

- Fotografía de ambiente, en la que se intenta reflejar el aspecto general que ofrecen los distintos tipos de fondos marinos (e.g. barcos hundidos, restos de construcciones humanas, praderas de algas, fondos arenosos). En este tipo de fotografía, se suele colocar una figura humana, para que ofrezca una idea de las proporciones de los distintos elementos que se pueden ver en la fotografía.

- Fotografía de fauna
, principalmente peces, ya que en este tipo se pueden incluir desde multitud de especies de invertebrados hasta los grandes mamíferos marinos, reptiles como las tortugas y serpientes de mar o aves como los pingüinos, gaviotas...




- Macrofotografía
es la fotografía de los pequeños animales que viven en el agua, o detalles de estos o de la vegetación marina es lo que se denomina fotografía de aproximación. Este es uno de los tipos más agradecidos de fotografía subacuática, ya que aún en malas condiciones fotográficas, con agua turbia, suele ser posible hacer estas fotografías, debido a que la distancia existente entre el objetivo de nuestra cámara y el objeto fotografiado es mínima, con lo que la turbidez del agua, si no es extrema, no es un impedimento insalvable.

Mas tecnicas

Fotografía en movimiento
Dentro de lo estático de una fotografía se puede conseguir sensación de movimiento jugando con el tiempo de exposición. En general podemos encontrar tres formas de fotografiar un objeto en movimiento, la elección es cuestión de la creatividad del fotógrafo y de sus necesidades.



La exposición es muy rápida, es decir, el tiempo de exposición es muy reducido, por debajo de 1/500. La cámara está quieta y cuando pasa el objeto se dispara.
La exposición es menos rápida, es decir, el tiempo de exposición es más largo. Se recomienda 1/125. La cámara está quieta y cuando pasa el objeto se dispara.
La exposición es menos rápida, es decir, el tiempo de exposición es más largo, por ello se recomienda 1/125. La cámara sigue al objeto y en un momento determinado se dispara.
Fotografias nocturnas

La principal característica de las fotografías nocturnas es la falta de luminosidad. Por ello, para realizar este tipo de fotos utilizaremos un tiempo de exposición alto, del orden de segundos. En este caso necesitaremos un trípode y resultará útil también un disparador para evitar mover la cámara.Resulta muy llamativo el movimiento de las luces de los coches, así como, los reflejos que proporciona el agua. Igualmente las fotografías de monumentos iluminados.
Si se enfoca al infinito se puede ajustar la apertura de diafragma a tope (número f menor) sin apenas reducir la profundidad de campo, y así obtener más luminosidad.
Fotografias a flores y frutas

Las flores nos ofrecen unos colores y unas formas muy llamativas. Es un tipo de fotografía bastante sencillo, además, es interesante buscar el detalle y un buen encuadre.
La apertura de diafragma ha de ser alta (número f bajo) para conseguir una profundidad de campo reducida y resaltar la flor sobre el fondo.
La presencia de insectos, mariposas, etc... hace la fotografía más interesante.
Las gotas de agua son un recurso plástico muy llamativo. Si podemos, salpicaremos la flor con unas gotas antes de fotografiarla.
Para buscar el detalle se recomienda que la flor ocupe toda la escena, utilizar objetivos macro o en su defecto lentes de aproximación.
En caso de fotografiar gotas, se les puede hacer brillar utilizando el flash de relleno.
otos de frutas.- La fotografía de fruta es muy utilizada en publicidad y por sus colores puede resultar muy estética. Se recomienda:
Utilizar luz natural. Si no es así no utilizar nunca un flash normal, ya que la luz ha de venir de todas partes.
Las fruta mojada resulta mucho más apetecible.
Si no está mojada y el tipo de fruta lo permite se debe sacar brillo a ésta.
Para buscar el detalle en frutas pequeñas se recomienda que la fruta ocupe toda la escena, utilizar objetivos macro o en su defecto lentes de aproximación.
También podemos utilizar la fruta para fotografiar bodegones.

Tecnicas fotograficas

Técnicas - Exposiciones múltiples

Esta técnica consiste en realizar dos o más disparos en un mismo fotograma. Para ello, la cámara debe soportar disparar varias veces sin avanzar la película. Bastantes cámaras SLR manuales lo permiten, mientras que la mayoría de las SLR automáticas lo soportan. Vamos a diferenciar entre dos tipos de exposiciones múltiples: Aquellas en que la composición permanece estática, es decir, no vamos a mover ni la cámara ni sus ajustes. En este tipo de fotografías se hace imprescindible un trípode. En ella hay algún objeto que se mueve y marca la diferencia entre los dos disparos. Aquellas en las que la composición varía, es decir, se mueve la cámara o sus ajustes. En esta imagen no es imprescindible utilizar trípode, pero es recomendable.
Si la cámara es automática ella se encargará, en el modo de exposición múltiple, de controlar la exposición. Pero si es una cámara manual tendremos que dividir la exposición entre los múltiples disparos. Tenemos en cuenta que si hiciéramos dos exposiciones normales en un mismo fotograma obtendríamos un resultado sobreexpuesto. Si hacemos una doble exposición utilizaremos la mitad de tiempo de exposición, en cada una de ellas, que si hiciésemos una sola exposición. Esa es la razón por la que en los ejemplos aparecen los sujetos transparentados. Este efecto aumenta cuando el fondo es claro.

Técnicas - Los retratos

Al fotografiar a personas es muy importante que se les vea bien. Hay formas de resaltar la fisonomía del sujeto jugando con la luz, el fondo, la perspectiva y la composición.
En el caso de la luz es importante que el sujeto tenga sombras en la cara que resalten sus facciones, si no es así aparecerá una cara "plana", sin relieve. En este caso, una luz lateral puede ayudar.
En el caso del fondo es recomendable quitarle importancia haciéndolo borroso ya que, de esta forma, se resaltará al sujeto. Para ello hay que contar con una profundidad de campo pequeña. Hay dos formas de disminuir la profundidad de campo, aumentar la apertura de diafragma (número f bajo) y aumentar la distancia focal (zoom alto).
Aumentando la distancia focal con el zoom modificamos también la perspectiva acercando el fondo y haciendo la imagen más plana. De esta forma evitamos deformar la cara del sujeto.
En cuanto a la composición, depende de si se quiere hacer un primer plano o no. En cualquier caso hay que tratar de que el sujeto ocupe buena parte de la imagen.
En los retratos la cara ocupará casi toda la escena, por eso, es recomendable que se vean al menos los hombros de la persona. Aplicamos la regla 1/3 - 2/3. La línea de los ojos se situará en 1/3 superior, o lo que es lo mismo, se apuntará al cuello.
Aparte de lo puramente técnico, es importante hacer una fotografía en la que el sujeto se sienta cómodo y adopte una pose natural. Es mejor coger desprevenido al sujeto o haciendo algo, pues así resultará natural.

Técnicas - Los paisajes

Fotografiar paisajes no entraña demasiada dificultad técnica, más bien creatividad. Técnicamente sólo hay que tener en cuenta los siguientes aspectos:
La apertura del diafragma ha de ser pequeña (número f alto) para obtener una profundidad de campo y ver nítida toda las escena.
Distancia focal pequeña (zoom bajo) para obtener imágenes panorámicas. De esta forma es más sencillo enfocar si tenemos objetos intermedios.
Aplicar la regla 1/3 - 2/3 para situar el horizonte en los tercios de la fotografía. Hay casos, por ejemplo con reflejos en lagos (segunda imagen), en los que no se tiene porque utilizar esta regla.
A veces es interesantes buscar un lugar en alto para observar la escena e introducir elementos cercanos (como un árbol, una persona observando el paisaje). Si en la escena aparecen edificios o zonas más representativas es recomendable hacerlas coincidir con los puntos fuertes.

Fotografia Estereoscópica

La fotografía estereoscópica, se basa en un principio muy simple : el de la visión humana. Nuestros ojos están separados uno del otro aproximadamente 65 mm. Cada ojo ve una imagen, que aunque sea igual, tiene un paralaje diferente. El cerebro se encarga de mezclar las dos imágenes creando el efecto de relieve. Asi pues, si obtenemos dos imágenes con una separación como la de la visión humana, estaremos haciendo igual que nuestros ojos. Y si después por medio de visores especiales o proyecciones polarizadas, dejamos ver a cada ojo, solo la imagen que le corresponde, nuestro cerebro creará igiualmente el efecto de la visión en tres dimensiones. Los sistemas empleados para obtener imágenes estereoscópicas son principalmente tres: Con una cámara especial de dos objetivos. Con dos cámaras iguales juntas con disparo sincronizado. Con una cámara desplazandola lateralmente para la segunda foto. El primer sistema es el más universal y permite tomar fotografías principalmente a partir de 1,5 mts. El segundo es sobretodo para paisaje a partir de 3 mts. Y el tercero es para elementos estáticos, macrofotografía y paisajes lejanos. Paro otros casos es necesario crear, desarrollar, o utilizar cámaras y técnicas especiales adecuadas a cada situación- Por lo que se refiere a la técnica empleada en estereoscopía, ésta consiste principalmente en respetar una relación de separación entre objetivos según la proximidad o lejanía del tema fotografiado, y también en algunos casos, una relación de convergencia de los objetivos sobre dicho tema. De no hacerlo así, nuestros ojos no centrarán las imágenes, y nuestro cerebro será incapaz de codificar debidamente la información recibida, produciendose imágenes dificiles de visionar. Si se respetan estas normas en la toma de las fotografías, y se registran las imágenes con precisión para su visionado, se obtienen excelentes resultados tridimensionales.

photoshop

Esta este famoso programa nos permite retocar las fotos y darle el acabado que mas nos plazca. Adobe Photoshop (Taller de Fotos) es una aplicación informática en forma de taller de pintura y fotografía que trabaja sobre un "lienzo" y que está destinado para la edición, retoque fotográfico y pintura a base de imágenes de mapa de bits (o gráficos rasterizados). Es un producto elaborado por la compañía de software Adobe Systems, inicialmente para computadores Apple pero posteriormente también para plataformas PC con sistema operativo Windows. Photoshop en sus versiones iniciales trabajaba en un espacio bitmap formado por una sola capa, donde se podían aplicar toda una serie de efectos, textos, marcas y tratamientos. En cierto modo tenía mucho parecido con las tradicionales ampliadoras. En la actualidad lo hace con múltiples capas. A medida que ha ido evolucionando el software ha incluido diversas mejoras fundamentales, como la incorporación de un espacio de trabajo multicapa, inclusión de elementos vectoriales, gestión avanzada de color (ICM / ICC), tratamiento extensivo de tipografías, control y retoque de color, efectos creativos, posibilidad de incorporar plugins de terceras compañías, exportación para web entre otros. Photoshop se ha convertido, casi desde sus comienzos, en el estándar de facto en retoque fotográfico, pero también se usa extensivamente en multitud de disciplinas del campo del diseño y fotografía, como diseño web, composición de imágenes bitmap, estilismo digital, fotocomposición, edición y grafismos de vídeo y básicamente en cualquier actividad que requiera el tratamiento de imágenes digitales. Photoshop ha dejado de ser una herramienta únicamente usada por diseñadores / maquetadores, ahora Photoshop es una herramienta muy usada también por fotógrafos profesionales de todo el mundo, que lo usan para realizar el proceso de "positivado y ampliación" digital, no teniendo que pasar ya por un laboratorio más que para la impresión del material. Con el auge de la fotografía digital en los últimos años, Photoshop se ha ido popularizando cada vez más fuera de los ámbitos profesionales y es quizá, junto a Windows y Flash (de Adobe Systems También) uno de los programas que resulta más familiar (al menos de nombre) a la gente que comienza a usarlo[cita requerida], sobre todo en su versión Photoshop Elements, para el retoque casero fotográfico. Aunque el propósito principal de Photoshop es la edición fotográfica, este también puede ser usado para crear imágenes, efectos, gráficos y más en muy buena calidad. Aunque para determinados trabajos que requieren el uso de gráficos vectoriales es más aconsejable utilizar Adobe Illustrator. Entre las alternativas a este programa, existen algunos programas libres como GIMP, orientada a la edición fotográfica en general, o propietarios como PhotoPaint de Corel, capaz de trabajar con cualquier característica de los archivos de Photoshop, y también con sus filtros plugin.

Cámara digital

Una cámara digital es una cámara fotográfica que, en vez de capturar y almacenar fotografías en películas fotográficas como las cámaras fotográficas convencionales, lo hace digitalmente mediante un dispositivo electrónico, o en cinta magnética usando un formato analógico como muchas cámaras de video. Las cámaras digitales compactas modernas generalmente son multifuncionales y contienen algunos dispositivos capaces de grabar sonido y/o video además de fotografías. En este caso, al aparato también se lo denomina cámara filmadora digital.
Los conceptos de digitalizar imágenes en escáneres y convertir señales de video a digital anteceden al concepto de tomar cuadros fijos digitalizando así señales de una matriz de elementos sensores discretos.Eugene F. Lally del Jet Propulsion Laboratory publicó la primera descripción de cómo producir fotos fijas en un dominio digital usando un fotosensor en mosaico.[2] El propósito era proporcionar información de navegación a los astronautas a bordo durante misiones espaciales. La matriz en mosaico registraba periódicamente fotos fijas de las localizaciones de estrellas y planetas durante el tránsito y cuando se acercaba a un planeta, proporcionaba información adicional de distancias para el orbitaje y como guía para el aterrizaje. El concepto incluyó elementos de diseño que presagiaban la primera cámara fotográfica digital.

Texas Instruments diseñó una cámara fotográfica análoga sin película en 1972, pero no se sabe si fue finalmente construida. La primera cámara digital registrada fue desarrollada por la empresa Kodak, que encargó la construcción de un prototipo al ingeniero Steven J. Sasson en 1975. Esta cámara usaba los entonces nuevos sensores CCD desarrollados por Fairchild Semiconductor en 1973. Su trabajo dio como fruto una cámara de aproximadamente 4 kg. y que hacía fotos en blanco y negro con una resolución de 0,01 megapíxeles. Utilizó los novedosos chips de estado sólido del CCD. La cámara fotográfica registraba las imágenes en una cinta de cassette y tardó 23 segundos en capturar su primera imagen, en diciembre de 1975. Este prototipo de cámara fotográfica era un ejercicio técnico, no previsto para la producción.
Las cámaras fotográficas electrónicas de mano, en el sentido de un dispositivo hecho para ser llevado y utilizado como una cámara fotográfica de mano de película, aparecieron en 1981 con la demostración de Sony Mavica (cámara de vídeo magnética). Este modelo no debe ser confundido con las cámaras fotográficas más modernas de Sony que también usan el nombre de Mavica. Esta era una cámara fotográfica analógica basada en la tecnología de televisión que grababa en un "diskette de vídeo" de una pulgada x 2. Esencialmente era una cámara de vídeo que registraba imágenes fijas, 50 por disco en modo de campo y 25 por disco en modo del marco. La calidad de la imagen era considerada igual a la de televisiones de la época.

Las cámaras fotográficas electrónicas analógicas no parecen haber alcanzado el mercado hasta 1986 con la Canon RC-701. Canon mostró este modelo en las Olimpiadas de 1984, imprimiendo las imágenes en periódicos. Varios factores retrasaron la adopción extensa de cámaras fotográficas análogas: el coste (arriba de $20.000), calidad pobre de la imagen en comparación a la película, la carencia de las impresoras de calidad. La captura e impresión de una imagen requirió originalmente el acceso a equipo como un framegrabber, que estaba más allá del alcance del consumidor medio. Los discos de vídeo tuvieron después varios dispositivos lectores disponibles para ver en una pantalla, pero nunca fueron estandardizados al impulso de las computadoras.

Los primeros en adoptarlas tendieron a ser del medio noticiario, donde el coste fue superado por la utilidad y la capacidad de transmitir imágenes por líneas telefónicas. La calidad pobre de la imagen fue compensada por la resolución baja de los gráficos de periódico. Esta capacidad para transmitir imágenes sin recurrir a satélites era útil durante las protestas de Tiananmen de 1989 y la primera guerra del Golfo en 1991.

La primera cámara fotográfica analógica para venta a los consumidores pudo haber sido la Canon RC-250 Xapshot en 1988. Una cámara fotográfica análogica notable producida en el mismo año era el Nikon QV-1000C, que vendió aproximadamente 100 unidades y registraba imágenes en escalas de grises, y la calidad de impresión en periódico era igual a las cámaras fotográficas de película. En aspecto se asemejaba a una cámara fotográfica digital moderna réflex.
La llegada de cámaras fotográficas digitales verdaderas
La primera cámara fotográfica digital verdadera que registraba imágenes en un archivo de computadora fue probablemente el modelo DS-1P de Fuji, en 1988, que grababa en una tarjeta de memoria interna de 16 MB y utilizaba una batería para mantener los datos en la memoria. Esta cámara fotográfica nunca fue puesta en venta en los Estados Unidos. La primera cámara fotográfica digital disponible en el mercado fue la Dycam Model 1, en 1991, que también fue vendida con el nombre de Logitech Fotoman. Usaba un sensor CCD, grababa digitalmente las imágenes, y disponía de un cable de conexión para descarga directa en la computadora.

En 1991, Kodak lanzó al mercado su modelo DCS-100, el primero de una larga línea de cámaras fotográficas profesionales SLR de Kodak que fueron basadas, en parte, en cámaras para película, a menudo de marca Nikon. Utilizaba un sensor de 1.3 megapixeles y se vendía en unos $13.000.

La transición a formatos digitales fue ayudada por la formación de los primeros estándares JPEG y MPEG en 1988, que permitieron que los archivos de imagen y vídeo se comprimieran para su almacenamiento. La primera cámara fotográfica dirigida a consumidores con una pantalla de cristal líquido en la parte posterior fue la Casio QV-10 en 1995, y la primera cámara fotográfica en utilizar tarjetas de memoria CompactFlash fue la Kodak DC-25 en 1996.

El mercado para las cámaras fotográficas digitales dirigidas al consumidor estaba formado originalmente por cámaras fotográficas de baja resolución. En 1997 se ofrecieron las primeras cámaras fotográficas para consumidores de un megapixel. La primera cámara fotográfica que ofreció la capacidad de registrar clips de vídeo pudo haber sido la Ricoh RDC-1 en 1995.

En 1999 con la introducción del Nikon D1, una cámara fotográfica de 2.74 megapixeles, que fue una de las primeras SLR digitales, la compañía se convirtió en un fabricante importante, y, con un costo inicial de menos de $6.000, era asequible tanto para fotógrafos profesionales como para consumidores de alto perfil. Esta cámara fotográfica también utilizaba lentes Nikon F, lo que significaba que los fotógrafos podrían utilizar muchas de las mismas lentes que ya tenían para sus cámaras de película.

En el 2003 se presentó la Digital Rebel de Canon, también conocida como la 300D, una cámara fotográfica dirigida a consumidores de 6 megapixeles y la primera DSLR que tenía un costo inferior a $1.000.

Resolución de imagen
La resolución de una cámara fotográfica digital está limitada por el sensor de la cámara (generalmente un CCD o un Sensor CMOS) que responde a las señales de luz, substituyendo el trabajo de la película en fotografía tradicional. El sensor se compone de millones de “cubos” que se cargan en respuesta a la luz. Generalmente, estos cubos responden solamente a una gama limitada de longitudes de onda ligeras, debido a un filtro del color sobre cada uno. Cada uno de estos cubos se llama un píxel, y se utiliza un algoritmo de mosaicismo e interpolación para unir la imagen de cada gama de longitud de onda por pixel en una imagen del RGB donde están las tres imágenes por píxel para representar un color completo.A la vez que la tecnología ha ido mejorando, los costes han disminuido drásticamente.

Midiendo el precio del pixel como medida básica de valor para una cámara fotográfica digital, ha habido un continuo y constante aumento del número de pixeles comprados por la misma cantidad de dinero en las cámaras fotográficas nuevas que concuerda con los principios de la ley de Moore. Esta previsibilidad de los precios de la cámara fotográfica primero fue presentada en 1998 en la conferencia australiana de PMA DIMA por Barry Hendy y designada la "Ley de Hendy".


Los dispositivos CCD transportan la carga a través del chip hasta un conversor analógico-digital. Éste convierte el valor de cada uno de los píxeles en un valor digital midiendo la carga que le llega. Dependiendo del número de bits del conversor obtendremos una imagen con mayor o menor gama de color. Por ejemplo, si se utilizase un sólo bit tendríamos valores de 0 y 1, y sólo podríamos representar presencia o ausencia de luz, lo que supondría una imagen en blanco y negro puro.

Por otro lado, los aparatos CMOS contienen varios transistores en cada píxel. El proceso de conversión digital se produce en la propia estructura del sensor, por lo que no se necesita un conversor añadido. Su proceso de fabricación es más sencillo, y hace que las cámaras que utilizan esta tecnología resulten más baratas.

La cantidad de pixeles resultante en la imagen determina su tamaño. Por ejemplo una imagen de 640 pixeles de ancho por 480 pixeles de alto tendrá 307,200 pixels, o aproximadamente 307 kilopixeles; una imagen de 3872 pixeles de alto por 2592 pixeles de ancho tendrá 10.036.224 pixeles, o aproximadamente 10 megapixeles.

[editar] Calidad de la imagen
La cuenta de pixeles comúnmente es lo único que se muestra para indicar la resolución de una cámara fotográfica, pero esta es una idea falsa. Hay varios factores que afectan la resolución de un sensor. Algunos de estos factores incluyen el tamaño del sensor, la calidad de la lente y la organización de los pixeles (por ejemplo, una cámara fotográfica monocromática sin un mosaico de filtro Bayer tiene una resolución más alta que una cámara fotográfica de color típica). A muchas cámaras fotográficas compactas digitales se las critica por tener demasiados pixeles en relación al pequeño tamaño del sensor que incorporan.

Los pixeles excesivos pueden incluso conducir a una disminución de la calidad de la imagen. Pues cada sensor del pixel es tan pequeño que recoge muy pocos fotones, y así el cociente señal-ruido disminuirá. Esta disminución conduce a cuadros ruidosos, calidad pobre en sombras y generalmente a imágenes de pobre calidad.

Se estima que el mejor compromiso entre número de megapixels y la calidad de imagen en cámaras compactas se consigue con sensores de 6 megapixels.
Integración
La tecnología actual permite la inclusión de cámaras digitales en varios aparatos de uso diario tales como teléfonos celulares. Otros dispositivos electrónicos pequeños (especialmente los utilizados para la comunicación) por ejemplo dispositivos PDA, computadoras portátiles y Blackberries contienen a menudo cámaras fotográficas digitales integradas. Además, algunos camcorders digitales incorporan una cámara fotográfica digital.

Debido a la limitada capacidad de almacenamiento y al énfasis de la utilidad por sobre la calidad en estos dispositivos integrados la gran mayoría utiliza el formato JPEG para guardar las imágenes ya que su gran capacidad de compresión compensa la pequeña pérdida de calidad que provoca.
Almacenamiento de imágenes

Tarjeta de memoria CompactFlash.Las cámaras digitales de los teléfonos celulares o también las cámaras de bajo precio utilizan memoria incorporada o memoria flash. Son de uso común las tarjetas de memoria: CompactFlash (CF), Secure Digital (SD), xD y las tarjetas Memory Stick para las cámaras Sony. Anteriormente se utilizaba discos de 3 1/2" para el almacenamiento de imágenes.

Las fotos se almacenan en ficheros JPEG estándares o bien en formato TIFF o RAW para tener una mayor calidad de imagen pese al gran aumento de tamaño en el archivo. Los archivos de video se almacenan comúnmente en formato AVI, DV, MPEG, MOV, WMV etc.

Casi todas las cámaras digitales utilizan técnicas de compresión para aprovechar al máximo el espacio de almacenamiento. Las técnicas de compresión suelen aprovecharse de dos características comunes en las fotografías:

los patrones: en una imagen es muy común encontrarse con zonas en las que aparece el mismo color (o la misma secuencia) repetido varias veces (por ejemplo, una pared blanca). Este tipo de áreas pueden codificarse de manera que el espacio de almacenamiento necesario para ellas disminuya. Este tipo de compresión no suele conseguir grandes porcentajes de disminución.
la irrelevancia: igual que la codificación mp3 se aprovecha de la incapacidad del sistema auditivo para detectar ciertos sonidos (o la ausencia de estos), en las cámaras digitales se puede utilizar una compresión que consiste en eliminar información que la cámara ha captado, pero que el ojo humano va a ser incapaz de percibir.

Algunos Autores 3

Gerry Cranham
Es un conocido fotografo deportivo de Gran Bretaña, justamente celebrado por su habilidad para interpretar el movimiento en color. La mayoria de lo fotografos deportivos tratan de detener el movimiento y captar con todo detalle al ganador cuando cruza la linea de meta. Cranham sacrifica el detalle a cambio de representar el movimiento y el esfuerzo. Sus fotografias comunican el hambiente especial de cada tipo de deporte, de tal forma que hasta los profanos pueden apreciarlo.
Cranham empieza a trabajar antes de que de comienzo el espectáculo:
busca los angulos y los en cuadres mas productivos y decide el equipo que va a necesitar; estudia la naturaleza de los diferentes movimientos para poder comunicar fielmente las características de cada deporte.
Cranham se sirve de cualquier técnica que este a su alcance.
Casi siempre emplea una Nikon de 35mm.
McCullin nació en 1935 en el barrio de Saint Pancras, en Londres y creció en Finsbury Park, un barrio popular al norte de la ciudad.
Asistió en Londres a la escuela media del barrio mostrando una cierta tendencia por el diseño, y a la edad de doce años obtuvo una beca para estudiar en la Escuela de Artes y Oficios de Hammersmith.



André Kertesz


André Kertész (Budapest, Hungría, 2 de julio de 1894 - Nueva York, Estados Unidos, 28 de septiembre de 1985) fue un fotógrafo húngaro. Es conocido por sus contribuciones a la composición fotográfica y por sus esfuerzos para establecer y desarrollar el ensayo fotográfico. Durante los primeros años de su carrera, sus trabajos no fueron apreciados debido a sus ángulos poco ortodoxos y a su deseo de conservar un estilo fotográfico personal. Incluso al final de su vida Kertész consideró que no había obtenido el reconocimiento que merecía. Actualmente, es considerado una de las figuras más influyentes del periodismo fotográfico.Fallecimiento 28 de septiembre de 1985 Nueva York. pesar de que su familia deseaba que trabajara como corredor de bolsa, Kertész se convirtió en un fotógrafo autodidacta y sus primeros trabajos fueron publicados principalmente en revistas, una tendencia que se mantuvo durante la mayoría de su carrera.
Es uno de los maestros reconocidos del arte de la fotografía. Durante sesenta años ha recogido momentos efímeros y buscado la bellaza de situaciones cotidianas. Su obra esta presidida por la espontaniedad y por un talento innato para el diseño formal, así como por una extraordinaria vista para captar detalles inesperados.
Sus fotografías son muy sencillas, y dejan entrever la sensibilidad de André, además no hay nada superfluo en ellas. En muchos aspectos, kertész fue el primero en adoptar respecto a la fotografía la actitud de Cartier-Bresson. la principal diferencia entre ambos radica en el interés de Bresson por el naturalismo y por captar el movimiento mas expresivo de la acción. Kertész es más flexible, menos siervo del realismo, y llega incluso a cortar partes de sus personajes, mas que en centrarse en el instante en que la acción culmina.

Algunos autores2

Ernst Haas (Viena, 1921 - Nueva York, 1986) fue un fotógrafo y artista plástico austríaco.

Nació en Viena el 2 marzo de 1921. Comenzó a estudiar medicina y después pintura. A principios de 1940 comenzó a trabajar con la fotografía y después de la guerra en el campo del fotoperiodismo. En 1947 se hizo muy popular un reportaje que hizo sobre el retorno de los prisioneros de guerra. En 1949 entró en la agencia Magnum presentado por Robert Capa.

Se fue a vivir a Estados Unidos y realizó su primera fotografía en color en el desierto de México. Éste fue el comienzo de su investigación personal sobre el uso de la fotografía en color. Desde 1951 se convirtió en fotógrafo independiente para publicaciones como Life, Vogue, Esquire o Look. Tomó fotografías de Nueva York y otras grandes ciudades como París y Venecia. En 1957 realizó un reportaje sobre las corridas de toros en España
que supusieron una sorpresa para el público.

En 1962 realizó una exposición de fotos en color en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, al año siguiente publicó su primer libro: Elements, que trataba sobre Nueva York. Desde 1964 trabajó en cine y televisión y en 1971 realizó su obra titulada "La creación" de la que vendió 350 000 copias, en 1975 publicó su libro América. A lo largo de su vida recibió varios premios, entre los que se encuentran el Premio de cultura de la asociación alemana de fotografía, recibido en 1972 y el Premio internacional de la Fundación Hasselblad en 1986.

Murió en Nueva York el 12 de septiembre de 1986.

Definió la fotografía como un puente entre la ciencia y el arte.[3]

El austriaco Ernst Haas es famoso por su imaginación y evocador uso del color. Su supremo talento reside en transmitir la esencia de una escena a través de una modulación impresionista del color. Mientras otros fotografos se esfuerzan por reproducir los detalles y tonos de un tema del modo más realista, Haas crea imagenes más interpretativas.
Su primer trabajo en color lo hizo en Kodachrome. Haas usaba una pelicula de 35mm extraordinariamente lenta que influye en la absorcion del color y los movimientos de los objetos.
Haas es un fotografo muy versátil en sus fotos de exteriores. Es capaz de comunicar la excitación de una corrida de toros en vibraciones de color o la serenidad de un paisaje otoñal en imagenes oníricas. Muchas veces utiliza los efectos de la niebla, Luvia o demás para difuminar sus colores.
Aquí os dejo algunas de sus fotografias.


Henri Cartier-Bresson

(nacío22 de agosto de 1908 - 3 de agosto de 2004) fue un célebre fotógrafo francés considerado por muchos el padre del fotorreportaje. Predicó siempre con la idea de atrapar el instante decisivo, versión traducida de sus "images à la sauvette", que vienen a significar con más precisión "imágenes a hurtadillas". Se trataba, pues, de poner la cabeza, el ojo y el corazón en el mismo momento en el que se desarrolla el clímax de una acción.

A lo largo de su carrera, tuvo la oportunidad de retratar a personajes de la talla de Pablo Picasso, Henri Matisse, Marie Curie, Édith Piaf, Fidel Castro y Ernesto Guevara. También cubrió importantes eventos, como la muerte de Gandhi, la Guerra Civil Española, donde filmó el documental sobre el bando republicano "Victorie de la vie", la SGM, en la que estuvo en la Unidad de Cine y Fotografía del ejército galo o la entrada triunfal de Mao Zedong a Pekín. Cartier-Bresson fue el primer periodista occidental que pudo visitar la Unión Soviética tras la muerte de Iósif Stalin.

Su obra fue expuesta, en el museo del Louvre, en París, en 1955.

Fue cofundador de la agencia Magnum.

Junto a su esposa, la también fotógrafa Martine Frank, creó en el año 2000 una fundación encargada de reunir sus mejores obras, situada en el barrio parisino de Montparnasse. Falleció el 2 de agosto de 2004 en Céreste, al suroeste de Francia.

En 2003, Heinz Bütler dirigió la película suiza Henri Cartier-Bresson - Biographie eines Blicks, documental biográfico interpretado por el propio Cartier-Bresson además de Isabelle Huppert, entre otros.

Para algunos, Cartier-Bresson es una figura mítica en la fotografía del siglo XX. Uno de sus mejores biógrafos (Pierre Assouline) lo apelaría como «el ojo del siglo».

En el año 1983 recibió el Premio internacional de la fundación Hasselblad

Es uno de los más conocidos fótografos de reportaje del mundo. Es famoso por su idea del "momento decisivo", ese instante en que todos los elementos transitorios de una escena se unen en una composicíon ármonica y sugerente.

"el momento decisivo" fue el titulo de su primer libro de fotografía como el "reconocimiento simultaneo en una fracción de segundo, de la importancia de un hecho y de la organización formal concreta que vía a ese hecho.
Cartier se tiene por un observador que utiliza la fotografia pasivamente para regitrar los aspectos inadvertidos, pero importantes. Su aproximacíon a los sujetos es siempre respetuosa y nunca pensaría en forzar una fotografía haciendoles posar o alterando el encuadre.
El equipo que usa es mínimo, de acuerdo con su creencia en el realismo y su deseo de pasar desapercibido.
Nunca retoca una fotografía y no usa flashses.